Lata pięćdziesiąte mogą inspirować różne formy nostalgii. Trzy filmy w tym sezonie oscarowym ożywiają minioną epokę na trzy bardzo różne sposoby. Do daje historycznie dokładne przedstawienie tego okresu, w dużej mierze oparte na kronikach filmowych i zdjęciach dokumentujących sprawę Emmetta Tilla. Dekada zyskuje różową perspektywę Nie martw się kochaniezabierając bardziej bogaty i luksusowy obiektyw do Złotego Wieku w Ameryce, podczas gdy Żyjący przenosi się do Londynu lat 50. XX wieku, pokazując bardziej powściągliwą estetykę i paletę kolorów niż jej amerykańskie odpowiedniki.
Do
Oparty na prawdziwej historii Chinonye Chukwu z 1955 roku Do śledzi życie działaczki na rzecz praw obywatelskich Mamie Till-Mobley po brutalnym linczu jej nastoletniego syna Emmetta Tilla. Podczas gdy podróż Tilla Mobley zaczyna się w jej domu w Chicago, większość pracy scenografa Curta Beecha polegała na odtworzeniu obszarów w Mississippi, które były kluczowe dla sprawy Emmetta Tilla.
„Wiadomości, które pokazywały miasto, były naprawdę cenne”, mówi Beech, „było nawet trochę ze sklepu i wszystkiego, co działo się wokół gmachu sądu, placu przed sądem i sali sądowej”. Chociaż nie było materiału filmowego z wnętrza sali sądowej, Beech miał ważne źródło informacji dzięki współautorowi i producentowi Keithowi Beauchampowi. Jako ktoś, kto blisko współpracował z prawdziwym Till-Mobleyem, Beauchamp był głównym źródłem informacji dla Beech, gdy nie były dostępne żadne dowody historyczne.
Oprócz odtwarzania miejsc historycznych Beech musiał dowiedzieć się, jak ludzie w tamtych czasach projektowali i dekorowali swoje domy. Lata pięćdziesiąte to czas, zanim kultura konsumpcyjna naprawdę się rozwinęła, co oznaczało, że nie każdy mógł iść do lokalnego domu towarowego i kupić najnowsze style do swojego domu. „Dekoracje w domach były wtedy o wiele bardziej osobiste” — mówi Beech. „Tak więc w latach 50. jest rzadkość w wystroju i projektowaniu. Rzeczywistość jest taka, że ludzie nie mieli ścian wyłożonych zdjęciami bliskich, ponieważ fotografie były bardzo cenne i trudno je było zdobyć”.
Ponieważ domy były rzadko udekorowane, tapeta była niezbędna do stworzenia kolorystyki pokoju. „Pozyskaliśmy wiele starych tapet z tamtego okresu” — mówi Beech. „Musieliśmy go zeskanować i ponownie wydrukować, a w trakcie tego procesu byliśmy w stanie nieco poprawić kolory i nasycić je lub bardziej podkreślić, aby uzyskać kolorowy wygląd, którego szukał Chinonye”.
Jedynym kolorem, od którego trzymali się z daleka, był żółty, który zarezerwowali dla scen z udziałem Emmetta Tilla. „Na początku jest w tym bardzo żółtym pokoju, ma żółtą komodę i naprawdę pochyliliśmy się nad tą żółtą” — mówi Beech. „Żółty stał się jego kolorem i kolorem radości. Jedynym innym razem, kiedy widzisz kolor żółty w filmie, jest dom Mosesa Wrighta, gdzie znajduje się żółta lampa i żółte krzesło, na którym siedział Emmett, aby napisać list do swojej matki.
Nie martw się kochanie
Przechodząc do fikcyjnej wersji lat 50. Nie martw się kochanie przedstawia wyidealizowaną wizję epoki. Akcja filmu reżyserki Olivii Wilde rozgrywa się w eksperymentalnej, utopijnej społeczności lat 50. XX wieku, gdzie Alice (Florence Pugh) zaczyna odkrywać, że miasto Victory może nie być tak wspaniałe, jak się wydaje.
Mając wcześniej współpracował z Wilde na Mądrala, scenografka Katie Byron miała tę przewagę, że wiedziała, czego reżyser chciał w odniesieniu do jej historii. „Przeprowadziliśmy wiele badań dotyczących lat 50. XX wieku, ale poszliśmy w kierunku bogactwa, luksusu i zmysłowości w palecie kolorów i odcieniach, a następnie musieliśmy dopracować szczegóły w tym okresie” — mówi.
Miasto Victory w Kalifornii jest oparte na Palm Springs, gdzie kręcono większość filmu, co było centrum ruchu Desert Modernism. „Użyliśmy Palm Springs jako modelu, ponieważ jest to oaza pośrodku pustyni, zbudowana tak, aby ludzie mogli bawić się materiałami pod kątem estetyki projektu” — mówi Byron. „Chodzi o to, że jest w Kalifornii, ale najbliższe miasto jest bardzo daleko, więc jesteś chroniony w tej pustynnej bańce utopii”.
Styl architektoniczny nadawał się również do utopijnego klimatu, w którym rzeczy wydają się wyprzedzać swój czas. „Niektóre aspekty pustynnego modernizmu wydają się niemal futurystyczne” — mówi Byron — „a interesowały nas progresywne nowe projekty z tego okresu, które były bardziej powszechne w latach 70., ale narodziły się w latach 50.”.
Pastele były popularne w tym okresie, ale Byron zdecydował się uniknąć płaskich kolorów i zamiast tego użył odcieni klejnotów. „Wprowadziliśmy kolor za pomocą optyki, kolorowego szkła i luster, aby uzyskać wrażenie, że kolor pochodzi ze światła i tekstury” — mówi. „Kiedy po raz pierwszy przeczytałem scenariusz, wyobraziłem sobie czerń, złoto, srebro i szkło, a potem powoli zacząłem tkać kolory”.
Ważnym kolorem użytym w filmie jest Albert Frey Blue, nazwany na cześć szwajcarskiego architekta odpowiedzialnego za pustynny styl modernistyczny. „To błękit rudzika, którego Albert Frey użyłby w wielu swoich pustynnych domach” — mówi. „Był w czołówce projektantów w Palm Springs i faktycznie wykorzystaliśmy sporo jego architektury jako odniesienia”. Frey użył koloru w swoich projektach jako sposobu na połączenie nowoczesnego wyglądu materiałów budowlanych z organicznym wyglądem pustyni. „To był kolor, który naprawdę kochał, ponieważ przemawiał do pustynnego krajobrazu”.
Żyjący
Żyjący zabiera nas z powrotem do Wielkiej Brytanii lat 50., pokazując zupełnie inny styl projektowania. Angielska adaptacja japońskiego filmu Olivera Hermanusa z 1952 roku Ikiru ustawia scenę w Londynie w 1953 roku. Film podąża za panem Williamsem, granym przez Billa Nighy’ego, biurokratą zmagającym się ze śmiertelną chorobą, który próbuje znaleźć sens w swoim życiu, zanim będzie za późno. Scenografka Helen Scott podjęła wyzwanie cofnięcia Londynu w czasie.
„Dostajesz małe kieszonki z lat pięćdziesiątych”, mówi, „ale tak naprawdę nie masz pełnej podróży pieszo lub pojazdem”. Ponieważ scenariusz wymagał, aby niektóre sceny dotyczyły budynków na zewnątrz, Scott musiał wykazać się kreatywnością w zakresie lokalizacji, aby uniknąć wszystkiego, co było zbyt nowoczesne. „Spacer do miejsca wybuchu bomby, gdzie utworzono plac zabaw, został podzielony na kilka miejsc, które po prostu się łączyły” — mówi. „To był spacer z centrum Londynu przez przedmieścia do East End, więc było to dość trudne”.
Podczas gdy Beech i Byron bawili się kolorami, aby uatrakcyjnić historie, Scott mówi, że najważniejszym aspektem projektowania w Londynie lat 50. była powściągliwość. „Oczywiście nie robiliśmy zdjęć czarno-białych, ale mieliśmy bardzo oszczędną paletę” — mówi. „Zaczęliśmy od czerni i bieli i faktycznie użyliśmy bieli w przeciwieństwie do szarości i złamanej bieli”. Monochromatyczna paleta wzmocniła nudne, statyczne wrażenie postaci Nighy’ego, jako człowieka, który całe życie pracował bez szukania sensu. „Oprawa wizualna ma dość prostą estetykę” — mówi. „Nigdy nie mieliśmy czegoś w rodzaju grungy, tekstury. Zawsze było całkiem czysto, ostro, jasno i wyraźnie”.
London County Hall służył jako tło dla filmu, chociaż budynek nie jest już używany jako siedziba rządu. W miejscu tym znajdują się obecnie dwa hotele i akwarium, ale na szczęście część starego budynku pozostała. „Oparliśmy się na tym obszarze i wykorzystaliśmy wszystko, co mogliśmy” — mówi Scott. „Wszystkie klatki schodowe i korytarze są prawie takie same, ale oczywiście musieliśmy je pozbawić nowoczesności i przenieść z powrotem do lat 50.”.