Steven Spielberg czekał dekady, aby sterować musicalem. Ale od pierwszej sekwencji w nowym „West Side Story” wydaje się, że jest certyfikowanym weteranem gatunku. Wiele z tego wynika z faktu, że Spielberg, filmowiec, który zawsze był tak popularny, że jego nadprzyrodzony talent do zręcznego poruszania kamerą i nieskazitelnego blokowania prawie go podoceniany, wydaje się pękać w szwach, aby poradzić sobie z przedstawieniem na scenie Robert Wise stworzył niekwestionowany klasyk w swojej adaptacji z 1961 roku. Jest coś zaraźliwego w podejściu, które on i jego zwykła grupa współpracowników, w tym operator Janusz Kamiński i montażysta Michael Kahn, stosują do adaptacji filmu, który, szczerze mówiąc, nie błagał o odświeżenie.
Jak na swój czas oryginalna „West Side Story” wydawała się zaskakująco nowoczesna. Do diabła, to nadal to robi, nawet dzisiaj, więc to nie jest tak, że Spielberg i spółka mieli kiedykolwiek przechytrzyć Wise na tej konkretnej arenie. Ta nowa wersja nie aktualizuje nawet swojej scenerii, ponieważ nadal dzieje się w Nowym Jorku w latach 50., poza metatekstowym faktem, że wszystkie postacie z Portoryko grają prawdziwi wykonawcy latynoscy — jedno z niepodważalnych ulepszeń filmu. Ale ten film nie istnieje, ponieważ każdy myślał, że może lub nawet chciał „pobić” film z 1961 roku.
Spielberg, największy żyjący twórca filmowy na Ziemi, chciał zrobić cholerny musical i przypadkiem wybrał ten, prawdopodobnie przez jakąś mieszankę nostalgii za dzieciństwem i myślenie o tym, jak my jako ludzie jesteśmy bardziej podzieleni niż kiedykolwiek, więc dlaczego nie zbadać te pomysły tak dosadnie, jak to możliwe, poprzez śpiew i taniec? To prawda, że Spielberg nigdy nie spotkał istotnego punktu, w którym nie mógłby, poprzez swoją wyjątkowo sentymentalną perspektywę, wielokrotnie przybijać do głowy niezawodnej fanfary. Ale „West Side Story” nadal jest jednym z najbardziej czarujących i zabawnych przeżyć kinowych roku. Może pochwalić się niesamowitym zespołem, jednym z najbardziej frapujących wizualnie dzieł Spielberga od lat, i czuje się jak ozdobna maszyna, z każdym skomplikowanym elementem strzelającym do wszystkich cylindrów.
Cóż, prawie każdy element.
My vs Oni, ale spraw, by było modne
Początkowe obrazy promocyjne filmu były naprawdę alarmujące, typowane przez dziwne i odpychające zaangażowanie w beżowe odcienie i nijakie obrazy, które przypominały sportowy remake „Suspirii” Luki Guadagnino. Możemy jednak z radością powiedzieć, że gotowy film jest okazały, a projekt produkcyjny Adama Stockhausena inteligentnie nawiązuje do błysku Technicolor z oryginalnego filmu, ale wycisza kolory na tyle, aby sugerować interpretację materiału, która jest bardziej Cinema Verite niż CinemaScope. Nie znaczy to, że nie ma jeszcze ekstrawaganckich stałych fragmentów, wykonujących wszystkie klasyki z serialu, ale że przestrzenie między piosenkami są bardziej ostre, bardziej kwaśne.
Nie powinno to dziwić, skoro Tony Kushner pełni obowiązki scenariuszowe. Od czasu ich współpracy przy „Monachium” Kushner współpracujący ze Spielbergiem pozwala temu znanemu dramaturgowi używać słów do dramatycznego wyrażania ciemniejszych, bardziej drażliwych stron pomysłów, które reżyser chce zgłębić. Istota narracji jest taka sama, skupiając się na przeplatanej przez gwiazdy historii miłosnej między Tonym (Ansel Elgort), byłym przywódcą Jets, całkowicie białego gangu ulicznego, a Marią (przybysz Rachel Zegler), młodszą siostrą Bernardo (David Alvarez), obecny przywódca rekinów, rywalizującego gangu portorykańskiego. To wciąż melodramatyczny „Romeo i Julia”, przynajmniej pod względem struktury narracyjnej, ale Kushner wysuwa motywy na pierwszy plan, z wieloma scenami bezpośrednio odnoszącymi się do pomysłów z oryginału, które były tylko mocno zasugerowane.
Zapewnia to teksturę i ziarnistość różnym wątkom pomocniczym graczy wspierających. Bernardo nie czuje się już pasjonatem Tybalta, ale mężczyzną, który musi być twardy i agresywny, aby chronić swój lud w nadziei, że może sprawić, że jego siostra i młodsze pokolenie będzie bezpieczniej nie musieć tak ciężko rzucać się na to, czego chcą. . Jest to szczególnie widoczne w sposobie, w jaki Jets są wrabiane, a porucznik Schrank Coreya Stolla robi częste przerwy od swojego jawnego rasizmu przeciwko Rekinom, aby ostro krytykować chłopców za to, że są śmieciami. Umieszczając tę wojnę o tereny na tle rozbiórki i przyszłej gentryfikacji, jest większy element klasy w postępowaniu niż rasowo-kulturowe animusy na powierzchni.
Jednak nie każdy nowoczesny rozkwit lub bardziej naszkicowany teren ekstrapolacji również. Anybodys, „chłopak” chcący zostać Jetem z oryginału, jest wyraźniej przedstawiany jako młody trans, z niebinarną performerką Iris Menas w roli. To godna podziwu reprezentacja na ekranie, ale kadrowanie queerowej młodzieży, która musi… hmm, dołączyć do etniczno-nacjonalistycznego gangu ulicznego, aby poczuć się bardziej męsko, mogłoby napędzać całą nagradzaną na Sundance grę niezależną, gdyby opuściła pokój być odpowiednio rozpakowane. Tutaj wydaje się to dziwne, niezgodne z pozostałymi celami filmu.
Ale naprawdę trudno jest mieć wiele skarg na film, który porusza tak dobrze, który jest tak ekscytujący. Ostatnie kilka razy Spielberg był tak czysto balistyczny za kamerą, był owinięty w mo-cap dla „Tintina” i „Ready Player One”, więc nieokiełznany dreszczyk emocji, gdy widzę, jak robi to, co robi najlepiej z rzeczywistymi ludzkimi ciałami w ruchu artykuły na temat wielu mniejszych problemów, które widz może mieć potencjalnie w związku z tym przeróbką.
Jest tylko jedna rażąca wada, którą trudniej przeoczyć niż większość.
Słoń w pokoju…
Jeśli czytałeś inne recenzje „West Side Story”, już zaczął się tworzyć ścisły konsensus. To piękny film, nie tak mocny jak oryginał, a wszyscy zaangażowani zasługują na mnóstwo pochwał za swoją pracę.
Z wyjątkiem Ansela Elgorta.
Elgort, znany z „Niezgodnych” i „Baby Driver”, wydaje się rzucać się w oczy, jeśli chodzi o nawet najśmielsze pochwały, jakie film otrzymał do tej pory, i to nie tylko dlatego, że jest tak wyraźnie mniej dopasowany do obrazu niż reszta jego kolegów.
W zeszłym roku Elgort został wiarygodnie oskarżony o napaść na tle seksualnym, oskarżeniu, któremu od tego czasu zaprzeczał, ale nawet w dobie „kultury anulowania” nie zaczęło to jeszcze wpływać na jego perspektywy zawodowe. Niestety dla wszystkich innych zaangażowanych w ten film, jeśli widz jest choćby luźno świadomy tego, o co został oskarżony, nie może nie pokolorować samego filmu. Można przeprowadzić zupełnie osobną rozmowę o oddzieleniu sztuki od artysty i zaangażowaniu w pracę na podstawie jej własnych zalet, ale kontekst ma znaczenie. Ten sam kontekst, który pozwala Spielbergowi i Kushnerowi na wyciągnięcie szerokich analogii od wojen o tereny w Nowym Jorku z lat 50. do podziałów politycznych w Ameryce po Trumpie, która jest kluczową siłą napędową tej iteracji „West Side Story”, sprawia, że prawie niemożliwe jest wciągnąć się w romans Tony’ego i Marii.
Pomimo pozornego grania w filmie nastolatków, Elgort ma 27 lat, a kiedy Zegler został początkowo obsadzony w tym filmie, miała 17 lat, czyli tyle samo, co dziewczyna, którą Elgort rzekomo pielęgnował i napadał. Być może, na jakimś okrutnym i antyseptycznym poziomie, gdyby Elgort sam w sobie był bardziej mistrzowski, gdyby mógł zrobić więcej na ekranie niż być jednocześnie wysokim, nieco przystojnym i białym, jego główna rola byłaby mniej rażąca i obraźliwa. Oprawcy i szkodniki żyją w Hollywood każdego dnia, często chowając się za nieprzeniknioną falangą własnego talentu i toksycznie wspierających fandomów. Ale Elgort wystaje jak obolały kciuk, samotny odstający osobnik w filmie pełnym gwiezdnych zwrotów od wykonawców, którzy nie są oskarżony o haniebne czyny.
Anita Ariany DeBose pozytywnie świeci kiedy nadejdzie czas, aby Spielberg zaktualizował zestaw „Ameryka”. Pomysłodawczyni tej roli na ekranie, Rita Moreno, kradnie kilka scen jako Valentina, nastawiona na płeć mentorka dla Tony’ego. Riff Mike’a Faista to klasa mistrzowska, która wydobywa na powierzchnię tyle bulgoczącej urazy i torturowanego samobiczowania.
Ale Elgort? On jest po prostu tam. I za każdym razem, gdy pojawia się na ekranie, trudno nie żałować, że go nie było.
Jak na film tak na czasie, zarówno ze względu na trafność tematów, jak i ze względu na jego postawę jako stosowny hołd dla niedawno zmarłego Stephena Sondheima, którego muzyka napędza film, „West Side Story” wydaje się czasami tak zagmatwany, głównie ze względu na jeden godny ubolewania obsadę decyzja. Mimo całej autentycznej fizyczności, jaką wnosi do tej roli, był trudnym wyborem na główną rolę, jeszcze zanim te zarzuty stały się publicznie znane. Ale w ich ślady robi niewiele więcej niż niszczenie skądinąd uroczego obrazu.