Nic w „The French Dispatch” nie zmieni twojej opinii na temat Wesa Andersona. Najnowszy film reżysera jest pakietem największych przebojów jego różnych impulsów stylistycznych i tematycznych, choć jego podejście do grania klasyków raczej nie przekona wielu, którzy jeszcze na nim nie byli. A ponieważ jego najnowszym jest tryptyk, może swobodnie zanurzać się w opowieściach, które głównie opowiada. Mamy tu zakochany nastoletni romantyzm „Rushmore” i „Moonrise Kingdom”, więzienne kaprysy „The Grand Budapest Hotel” i wszystkie skrupulatnie zaprojektowane stylistyczne dziwactwa tych filmów i wszystkich, które pojawiły się pomiędzy nimi. Jeśli uważasz, że jego podejście do opowiadania historii jest odpychające, nie mogę powiedzieć nic, co przekonałoby cię do dania mu kolejnej szansy — ale nawet jako ktoś, kto zwykle jest ciepły w stosunku do jego filmów, szybko poczułem się zimny i zdystansowany.
Reżyser podkreślał w wywiadach, że pomysł na stworzenie tryptyku opowiadającego historie rozgrywające się we Francji pojawił się na długo przedtem, zanim wpadł na pomysł, jaka będzie którakolwiek z narracji. Czasami, jak boleśnie pokazuje, artykuły w New Yorkerze, które luźno inspirowały każdy segment, nie zawsze generują wystarczająco dużo narracyjnych intryg, by podtrzymać zainteresowanie. Środkowa część, fantastyczna remake protestów z maja 1968 r., pokazuje reżysera, który mruga okiem na odniesieniach historycznych, uproszczonych wizualnych aluzjach do kilku francuskich reżyserów Nowej Fali, a także ujęcie penisa Timothée Chalameta. . Zanim dojdziemy do finału, drugiej z dwóch historii osadzonych w więzieniu, mimo że całe fikcyjne miasto jest narracyjnym placem zabaw, twoja cierpliwość prawdopodobnie zostanie przetestowana jeszcze bardziej. To film, w którym często ujawniają się granice pozornie nieograniczonej wyobraźni filmowej.
Gorąco z prasy
Film jest listem miłosnym Andersona do dziennikarstwa i jest poświęcony kilku byłym pisarzom nowojorskim, dla których stworzył słabo zawoalowane fikcyjne surogaty. To typowo niszowe źródło inspiracji dla reżysera, który już od młodzieńczych lat zbiera stare numery pisma, choć pomaga ukształtować początkowo pomysłową strukturę. Umieszczony jak numer Liberty, Kansas Evening Sun, tryptyk opowiadań w centrum filmu (zaprojektowany jako trzy „długie lektury” na różne tematy) jest uzupełniony notatkami redaktora, mniejszymi depeszami o życiu we francuskiej placówce gazety oraz epilog, który potwierdza, że jest to ostatni numer publikacji.
Prolog po raz pierwszy przedstawia nam redaktora Arthura Howitzera Jr (Bill Murray), rodzaj drugoplanowej roli, jaką Anderson może napisać dla swojego najbardziej powracającego współpracownika we śnie. Zainspirowany współzałożycielem New Yorkera, Haroldem Rossem, Howitzer jest z pozoru prostolinijnym zrzędą — człowiekiem, który ma wysokie wymagania dotyczące swojej publikacji, a tym bardziej dziennikarzy, których starannie wybiera, aby dla niego pisać. Energetyczny prolog otwierający, w którym narratorce Anjelicy Huston udaje się uwydatnić humor w tym, skądinąd najbardziej odkrywczym momencie filmografii Andersona, jest zachęcającym wprowadzeniem w ten świat, niemal natychmiast odnajdując ciepło w studium człowieka z „nie”. płacz” nad jego drzwiami, który zwalnia pracowników do woli. Historia, podobnie jak „The Grand Budapest Hotel”, jest początkowo osadzona w czasie przeszłym, epitafium legendy dziennikarstwa, o której od razu mówi się, że właśnie umarła. Pełen szacunku stosunek Andersona do niego okazuje się zaraźliwy, a w pierwszych momentach szaleństwa udaje się odnaleźć melancholię, profil nie tylko człowieka, ale oddanie dziennikarskiemu rzemiosłu, które według reżysera jest teraz rzeczy z przeszłości.
Kiedy wychodzimy z redakcji, jego oda do zawodu okazuje się mniej przekonująca. Trasa podróży pisarza Herbsainta Sazeraca (Owen Wilson) po mieście Ennui-sur-Blasé jest natychmiastowym punktem kulminacyjnym, segmentem najbardziej uzależnionym od wizualnych gagów, gdy próbuje wcisnąć całą wyimaginowaną historię w ciągu pięciu minut. To jest film w jego najśmieszniejszym wydaniu — chociaż twoja reakcja na humor będzie prawdopodobnie zależeć od tego, czy przewróciłeś oczami, gdy dowiedziałeś się, w jakim mieście odbywa się ten film. Potem przechodzimy do trzech rozszerzonych historii, w których Anderson popełnia krytyczny błąd kierując się tym, co jest zdecydowanie najsilniejsze ze wszystkich trzech.
Zagubiony w poście
Ta historia, zatytułowana „Betonowe arcydzieło”, jest również fragmentem tryptyku najbardziej odsuniętego od rzeczywistych wpływów, czując się radośniej anarchią obok historii, które starają się zrównoważyć komedię z hołdami dla ludzi, którzy je zainspirowali. . Jeśli inni aktorzy w zespole mają trudności z pogodzeniem swoich komediowych instynktów z wymaganym przez reżysera szacunkiem dla pisarzy ze złotej ery New Yorkera, Swinton przyjmuje karykaturę. Opowiada ten segment, przywdziewając zwykłą perukę i sztuczne zęby, które pozornie wychodzą z garderoby, gdy zapisuje się do roli komediowej, a jej reporter jest dość szeroką parodią w dużej mierze niekompetentnego pisarza, który najwyraźniej dostał swoją pracę dzięki powiązaniom z wyższą klasą. .
Ostro kontrastuje z samą zabawną historią, w której uwięziony malarz Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro) staje się ulubienicą świata sztuki za kratkami – tylko po to, by rozwścieczyć tych samych krytyków, gdy denerwuje się, by pokazać nowy utwór. W filmie, który leniwie przechodzi między czernią a bielą i kolorem, ukłon w stronę francuskiej nowej fali, ten segment jest jedynym przypadkiem, w którym to wizualne podejście dodaje coś do historii, rutynowo pokazując sztukę Rosenthalera i ograniczenia inspiracji Kraty więzienne w nowym świetle.
Od razu śledzimy najlepszy rozdział w historii z najsłabszymi. „Revisions to a Manifesto” podąża za reporterką Lucindą Krementz (Frances McDormand), która przedstawia rewolucjonistów studenckich prowadzących protesty, które w końcu ogarniają cały naród. Ponieważ jest to film Wesa Andersona, główną przyczyną protestów tutaj jest to, że studenci nie mogą spędzić nocy w akademikach płci przeciwnej – co prowadzi do czegoś, co w zasadzie jest galijnym powtórzeniem kilku historii o nastoletnich kopniakach reżysera. powiedział wcześniej, jak Zeffirelli (Chalamet) zamierza jednocześnie skonsumować swój związek i doprowadzić do zmiany społecznej. To właśnie w tym segmencie staje się najbardziej oczywiste, że Anderson wpadł na pomysł stworzenia tryptyku, którego akcja rozgrywa się we Francji, zanim dowie się, jaka będzie którakolwiek z historii, i nie może ukryć stąpania po znajomym gruncie swoim historycznym tłem.
Ostatnia historia, „Prywatna jadalnia komisarza policji”, jest lepsza, chociaż jest to całkowicie zasługą roli Jeffreya Wrighta jako Roebrucka Wrighta, oczywistego zastępcy Jamesa Baldwina. W filmie, w którym często wydaje się, że kilku wykonawców gubi się w zespole, do tego stopnia, że niektórzy celowo przyjmują niewdzięczne role tylko po to, by pracować z Andersonem, Wright zwraca uwagę na punkt, w którym staje się jasne, że rozdział jest angażujące tylko z jego powodu. Jest to wspomniana druga historia osadzona w więzieniu i chociaż farsowa przygoda z porwaniem różni się od wcześniejszego dramatu w świecie sztuki, nie może nie czuć się rozczarowaniem z powodu tego, jak zwraca publiczność z powrotem za kratki. W mniejszych fragmentach Anderson zaprezentował typowo szczegółową historię miasta, co sprawia, że niezwykle frustrujące jest to, że nie możemy odkrywać go poza krótkimi przerwami, a historie, które opowiada, służą tylko temu, abyśmy zastanawiali się, co tak naprawdę dzieje się poza więzieniem ściany.
Ostatecznie „The French Dispatch” prezentuje Wesa Andersona w jego najlepszym i najgorszym wydaniu. Jeden z jego najpiękniej zaprojektowanych filmów, zawierający trzy historie, które nie uzupełniają wielkiego płótna miasta, które stworzył.