Dziesięć lat temu Neill Blomkamp był ogłaszany jako jeden z najważniejszych nowych głosów w kinie, potencjalna nowa twarz oryginalnego hitu fabularnego w branży zdominowanej przez franczyzy. To wszystko było z tyłu „Dystryktu 9”, jego alegorii science fiction dla RPA ery apartheidu, która stała się zarówno światowym hitem kasowym, jak i niespodzianką nominowaną do nagrody Best Picture. Od tego momentu jego droga do stania się siłą w kinie równą Christopherowi Nolanowi (obecnie domyślny skrót dla filmowca rutynowo przyznającego duże budżety na oryginalne projekty) wydawała się bezpieczna.
Jego kolejny film, „Elysium”, przyciągnął talenty z listy A i budżet w wysokości 115 milionów dolarów, ale sprawy nie poszły zgodnie z planem. Po premierze był rozczarowany, a krytycy zareagowali na ideę nowego głosu wprowadzającego społecznie świadome tematy do kręcenia filmów na dużą skalę, ale nie sam film. Postanowił więc wrócić do strefy komfortu swojego debiutu – i tylko zmroził ludzi, wracając z „Chappie”, filmem, w którym rapowy duet Die Antwoord (w roli aktorów scenicznych) kradnie robota południowoafrykańskiej policji .
To film, który obecnie istnieje przede wszystkim jako pointa, skutecznie umieszczając go w legendarnym „więzieniu reżyserskim” filmowców, którzy są nieoficjalnie na czarnej liście Hollywood. Fakt, że przyniósł skromny zysk, nie miał znaczenia; Jeśli weźmiesz 49 milionów dolarów ze studia i wrócisz z „Chappie”, nie będą z tego zadowoleni. Jeśli już, to jednym z powodów, dla których tak bardzo podoba mi się ten film, jest właśnie to, że wyobrażam sobie przerażonego kierownika studia siedzącego przy nim.
Powrót do podstaw
Teraz Blomkamp nie jest już proszony o oryginalne pomysły, tylko przywiązuje się do ponownego uruchamiania różnych właściwości science fiction, które nigdy nie wejdą do produkcji. Z sześcioma filmami oddzielającymi nas od jego ostatniej pracy studyjnej, zdecydował się jeszcze bardziej zmniejszyć skalę, tworząc hybrydę horroru i science fiction, która ma na celu przywrócenie mu reputacji jednego z najbardziej kierujących się pomysłami twórców filmowych w głównym nurcie. Gotowy produkt to „Demoniczny”, ciekawa teoretycznie próba połączenia dwóch przeciwstawnych podgatunków: napędzanego technologią cyberthrillera i horroru napędzanego religijnym folklorem i opowieściami o demonicznych opętaniach. Ale, jak stało się dla reżysera powracającym problemem, siła jego pomysłów nie przekłada się na materiał — a powstały w ten sposób film szybko zamienia się w niemal niekończącą się mowę zrzutów ekspozycji i płaskich występów. Jeśli tym właśnie stał się jako gawędziarz, potrzeba czegoś więcej niż kontynuacja „Dystryktu 9”, aby pomóc mu odzyskać tę wczesną obietnicę.
Carly (Carly Pope) ma długotrwały związek ze swoją matką Angelą (Nathalie Boltt), co jest całkiem zrozumiałe, biorąc pod uwagę, że jej matka od lat przebywa w więzieniu po morderczym szale. Nie odwiedziła ani razu i pozostawiła za sobą życie rodzinne, aż pewnego dnia zwrócił się do niej Martin (Chris William Martin), przyjaciel z dzieciństwa, który jest w separacji, który bierze udział w badaniu naukowym, w którym skazani przestępcy są wykorzystywani jako test tematy. Angela jest w śpiączce, a grupa badawcza opracowuje aparat do wizualizacji jej podświadomości, pozwalający ludziom wejść i porozmawiać z nią bezpośrednio.
Naukowcy odkryli, że Angela prosiła o Carly, a ponieważ zaczęła mieć żywe koszmary o matce, niechętnie zobowiązuje się do odwiedzenia laboratorium. Kiedy Carly przybywa do podświadomości, zdaje sobie sprawę, że to nie jej matka popełniła zbrodnie 20 lat wcześniej, ale demoniczna istota, która ją opanowała. Wizje, których doświadcza Carly, stają się coraz częstsze, a ona nie ma innego wyjścia, jak wrócić do Martina po pomoc, ponieważ nagle jego teorie spiskowe o tym, że Watykan kontroluje ośrodki badawcze, by zwabić demony, nie brzmią tak daleko.
Podczas oglądania „Demonicznego” przypomniałem sobie moje doświadczenia z ostatniego filmu M. Nighta Shyamalana „Old”, filmu, który był w większości krytykowany przez krytyków za sztywne dialogi i nadmiernie zmanierowane odczytywanie wierszy. Jest to skarga często wykorzystywana w filmach Shyamalana, mimo że wydaje się to świadomym wyborem stylistycznym — w końcu nie wstydzi się przyznać do różnych wpływów na filmy klasy B. Z drugiej strony Blomkamp nie jest tak brany pod uwagę w jego scenopisarskim podejściu. W poprzednich wywiadach mówił o tym, jak bardzo nienawidzi pisania scenariuszy, pisania opracowań do opowiadań i projektowania grafik koncepcyjnych, ale nie tworzenia kleju, który może spajać wszystkie te pomysły. Nigdy nie było to bardziej widoczne niż w jego najnowszym filmie, w którym jego bohaterowie oddają się niekończącej się ekspozycji, z wyraźną niepewnością z perspektywy reżyserskiej, jak mógłby sprawić, by było to przekonujące.
Niskobudżetowy eksperyment
Nie pomaga to, że jego film był wyraźnie nakręcony podczas pandemii, a niektóre sekwencje (takie jak wczesna, długa rozmowa między Carly i Martinem w publicznym parku) czuły się niezręcznie z powodu samego rozmieszczenia aktorów. Ale nawet w scenach, w których to nie jest problem, Blomkamp wydaje się kierować swoim zespołem, by wypowiadać swoje kwestie z apodyktyczną powagą. Potrzeba naprawdę wyjątkowego talentu, aby napisać monolog o specjalnej drużynie watykańskiej Black Ops wykonującej tajne egzorcyzmy i usunąć z tego wszystko, co można by uznać za dobrą, głupią zabawę. Blomkamp pracował wcześniej z nieprofesjonalnymi aktorami, odnosząc wielki sukces – ale tutaj nie chciał odejść od scenariusza, w który nie wierzy, i w rezultacie nie stara się, aby jego obsada rzeczywiście zaangażowała się w materiał zostały im dane.
Jeśli więc Blomkamp podchodzi do każdego projektu wyłącznie z perspektywy designu, a nie opowiadania historii, jakie innowacje ma do zaoferowania w „Demonic”? Cóż, jest tylko jeden: był pionierem nowej formy technologii przechwytywania wolumetrycznego dla sekwencji osadzonych w śpiączkowej przestrzeni umysłu. Podobnie jak technologia motion capture, ale przy ograniczonym budżecie, program umożliwia reżyserowi umieszczenie tych aktorów w podwyższonej, nieziemskiej przestrzeni, idealnej do narracji o podróży do centrum ludzkiej świadomości. Problem polega na tym, że te sekwencje są nieatrakcyjne wizualnie, z całą kinową dynamiką grafiki gier wideo z ery PlayStation 2. Zamiast tworzyć coś nawiedzającego w swojej niesamowitości, wizualizuje intrygujący koncept w niepozorny sposób, który służy jedynie do wprowadzenia widzów w ten sam stan świadomości, co jego główny antagonista.
Poza wszystkim innym największym problemem z „Demonicznym” jest to, że jest prawie nieprawdopodobnie nudny. Żaden film o tak wyrafinowanym koncepcie gatunkowym, wraz z intrygującymi innowacjami technicznymi za kamerą, nie powinien tak mocno przykuć uwagi widzów. A jednak, z wyjątkiem kilku bardzo krótkich momentów, kiedy Blomkamp pogrąża się w horrorze, a jego film rzeczywiście nabiera pulsu, ten film jest absolutnym obowiązkiem do obejrzenia. Film ze wszystkimi pomysłami na ekscytujący film o północy, nakręcony z całą pasją człowieka, który zamiast tego wolałby prowadzić seminarium na temat swojego nowego oprogramowania do tworzenia filmów.