Jeśli złapałeś dokument Edgara Wrighta „The Sparks Brothers”, wiesz, że ekscentryczny duet popowy Sparks (znany również jako bracia Ron i Russell Mael) miał wiele straconych okazji do stworzenia własnego musicalu filmowego. Para miała obsesję na punkcie francuskiego kina lat 50. i 60. i cieszyła się, że pod koniec lat 70. zwrócił się do nich aktor komiksowy i reżyser Jacques Tati – tylko po to, by Tati niestety zmarła, gdy ich projekt zbliżał się do produkcji. Dziesięć lat później zaproponowano im wykonanie muzycznej adaptacji mangi „Kai, The Missing Girl” autorstwa Tima Burtona. Podobnie jak musical, który planowali zrobić dekadę wcześniej, obecnie istnieje jako jeden z najbardziej intrygujących filmów, których nigdy nie nakręcono.
Prawie 50 lat po tym, jak mieli przejść na duży ekran, wreszcie mamy szaloną rockową operę dzięki uprzejmości duetu i niezwykle stylowego francuskiego filmowca Leosa Caraxa. „Annette”, podobnie jak muzyka Sparksa, prawdopodobnie okaże się wyrobionym gustem, 140-minutowym tragicznym romansem pomiędzy „Narodzinami gwiazdy” a specjalnym stand-upem Bo Burnham, z tytułową postacią, która jest całkiem dosłownie Kukiełka. Nie mogę udawać, że film w pełni mnie przekonał, ale jest coś ujmującego w sposobie, w jaki reżyser wykorzystuje sztuczność wielkoekranowego musicalu, do tego stopnia, że często wygląda to jak nagranie szczególnie awangardowej produkcji na Broadwayu. Pod tym stylem kryje się substancja, ale okazuje się mniej oddziałująca — pomimo epickiej długości filmu, bohaterowie nigdy nie ożywają w taki sam sposób, jak skrupulatnie zaprojektowany film wokół nich.
Osobista historia z lalkami
Henry McHenry (Adam Driver) jest prowokacyjnym komikiem, nazywanym „małpą Boga”. Jego twórczość traktuje lekko dowcipy, ale ciężką gadką pełną nienawiści do samego siebie i niewytłumaczalnych muzycznych przerywników. Jego żona Ann Defrasnoux (Marion Cotillard) jest znaną śpiewaczką operową, której widzowie nigdy nie dowiadują się o niej w ten sam sposób, zawsze chowając się za postacią, która umiera pod koniec każdego przedstawienia. Para jest stale w centrum uwagi mediów i szaleńczo zakochana, a świat obserwuje, jak Ann rodzi swoje pierwsze dziecko, Annette. W tym czasie kariera Henry’ego uderza w drogę, ponieważ wiele kobiet zgłasza się, aby opowiedzieć o nadużyciach, które im wyrządził, podczas gdy on wdaje się w dalsze kontrowersje w Las Vegas poprzez przedłużającą się rutynę, w której opisuje łaskotanie swojej żony na śmierć .
To, że okazuje się, że jest to dla niego ostatni gwóźdź do trumny, a nie różne kobiety opowiadające o jego obraźliwym zachowaniu (fakt wprowadzony w bardzo konkretnym numerze zatytułowanym „Sześć kobiet zgłosiło się do przodu”, a następnie ledwo wspominany ponownie), jest jednym z bardziej dziwaczne wybory narracyjne filmu i utrudniają zrozumienie tragicznego studium postaci pod sztucznością. Niemniej jednak Henry odkrywa nowe powołanie w małej Annette, która, jak odkrywa, ma anielski śpiew, i dzwoni do dyrygenta orkiestrowego Ann (Simon Helberg — tak, Howard z „Teorii wielkiego podrywu” jest w tym filmie), aby ją usłyszeć. Stamtąd już wkrótce Baby Annette zostanie największą gwiazdą popu na świecie.
Leos Carax i Sparks tworzą wyjątkowe połączenie artysty i reżysera właśnie dlatego, że mają różne wrażliwości. Pomimo tego, że zyskały rozgłos w latach 80. jako część ruchu Cinéma du look (często skreślanego przez ówczesnych krytyków jako styl nad treścią), który dał światu także Luc Besson, filmy Caraxa są szczere w swoim tragicznym romantyzmie. Z drugiej strony Sparks stworzył muzykę wartą pół wieku, nacechowaną ironicznym poczuciem humoru, ich piosenki zwykle albo czarno-komiczne studia postaci, obrazy dysfunkcji seksualnych, albo satyry na współczesną kulturę. Biorąc za dobrą monetę, łatwo byłoby założyć, że mieli oni większy głos autorski nad projektem niż reżyser, historia pozornie parodia klasycznej hollywoodzkiej formuły narracyjnej, z elementami fabuły związanymi z histerią tabloidów i samą koncepcją celebryty .
To, co sprawia, że ”Annette” jest tak fascynujące, to fakt, że po dalszych badaniach ta muzyczna gorączka marzeń jest najbardziej osobistą pracą reżysera. Jego film „Święte silniki” z 2012 roku przez wielu uważany jest za jeden z najlepszych filmów dekady i początkowo był traktowany jako list miłosny do nieograniczonych możliwości kina — miejsce, do którego gadające limuzyny, szympansy i numery muzyczne Kylie Minogue mogły przyjechać bez na chwilę. Ale ten film był znacznie bardziej melancholijnym dziełem, na które wpływ miała śmierć jego żony (aktorki Jekateriny Golubiewej) w 2011 roku, gdy film był w produkcji. „Annette” jest w dużej mierze reżyserką tworzącą pochwałę dla partnera i twórczej współpracownicy, jej późniejsze etapy okazują się najbardziej poruszające, ponieważ ostatecznie zmaga się z ideą traktowania naszych bliskich jako artystycznych muz.
Złożona postać, której nie można zbadać samymi tekstami
Problem polega na tym, że ten poruszający koniec łuku postaci pojawia się długo po tym, jak film zmaga się z nadużyciami i lekkomyślnością głównego bohatera. Henry McHenry ma wyraźnie nihilistyczne spojrzenie na świat, gdy jest na scenie, film przedstawia jego występy z publicznością jako grecki chór, fani praktycznie śmieją się na rozkaz, pomimo braku prawdziwych gagów. Ale to jest najbliższe zmaganiu się z historią nieprzewidywalnych zachowań (i, w mniejszym stopniu, z tym, w jaki sposób kultura nadal celebruje nadużyć mężczyzn), wprowadzony jako punkt fabularny, ale nigdy nie zbadany z większym skutkiem, pozostając dość redukcyjnym portretem torturowany artysta. Adam Driver, zgodnie z oczekiwaniami, jest fantastyczny w tej roli, ale Henry McHenry wciąż jest frustrującym tworem.
Dodatkowym problemem jest to, że narracja jest tak otoczona wokół głównego bohatera i jego nerwic, że szerszy emocjonalny łuk dramatu ma mniejszy wpływ. Marion Cotillard jest wybitną wykonawczynią muzyczną (nawet podkłada głos do Baby Annette!), jej solowe sekwencje najpiękniej wymyślone przez Caraxa, w tym jedna wyjątkowa sekwencja, w której scena teatralna zamienia się w bajkowy las. Ale jej postać i jej rola w centralnym związku często wydają się w najlepszym razie refleksją, w najgorszym zwykłym narzędziem narracyjnym.
Sparks są znani ze skutecznego sposobu, w jaki wykorzystują powtórzenia w swoich piosenkach, a ostatni dokument „Sparks Brothers” podkreśla jeden zatytułowany „My Baby’s Taking Me Home”, który powtarza tytuł tak bardzo, że nabiera nowych znaczeń. Tutaj podobna technika zastosowana w piosence zatytułowanej „We Love Each Other So Much” zawodzi – często wydaje się, że piosenka próbuje nam powiedzieć, co sam film stara się pokazać. Tak, „Annette” jest bardzo celowo sztuczny w swoim projekcie, ale sedno jego tragicznego centralnego romansu rzadko rejestruje się aż do decydującego finału, liryczna prostota staje na drodze bardziej złożonemu studium postaci, którego nie można w pełni rozwinąć piosenka. Jest wiele do podziwiania w wyjątkowym podejściu Caraxa do musicalu filmowego, co tylko sprawia, że te błędy są jeszcze bardziej frustrujące.