W wywiadach Edgar Wright żartował, że „Ostatnia noc w Soho”, jego pierwsza wyprawa w horror, to jego film o Brexicie. Nawet dla reżysera, który parodiował małoduszną angielskość w filmach takich jak „Hot Fuzz” i „The World’s End”, posiadanie tak specyficznego politycznego odczytania slashera podróżującego w czasie może wydawać się trochę trudne. serce Londynu. Ale nie jest niedokładny. W najszerszym możliwym sensie opowiedział historię, w której postać ponosi ponure konsekwencje po zakochaniu się w romantycznym spojrzeniu na przeszłość – powrót do Wielkiej Brytanii, której nigdy nie było, kłamstwa, w które chętnie wierzyła, służą tylko do dalszego prześladowania jej w teraźniejszości dzień. Jeśli to nie jest idealne podsumowanie, dlaczego tak wielu Brytyjczyków głosowało za Brexitem i jego następstwami, to co nim jest? Jest to alegoria wystarczająco szeroka, aby przejść ponad głowami widzów spoza Wielkiej Brytanii, którzy nadal będą cieszyć się szokami za dobrą monetę, chociaż to nie jedyny raz, kiedy próbuje zająć się poważnym problemem w narracji. I niestety sposób, w jaki źle sobie radzi, nie będzie tak łatwo przeoczyć.
W ciągu kilku tygodni od obejrzenia najnowszego filmu Wrighta, w moim umyśle tylko jeszcze bardziej zaciemniło się, wszystko dzięki scenariuszowi (napisanemu wspólnie z skrybą „1917” Krysty Wilson-Cairns), który stara się zrównoważyć gwałtowne emocje z poważniejszym komentarzem społecznym: im dalej do mety jest coraz bardziej skonfliktowany, jak sobie z tym poradzić. Oprócz luźnego opowiadania o Brexicie, film odnosi się bezpośrednio do trudnych tematów napaści na tle seksualnym, ale niezdarnie porusza ten ważki temat w sposób, który w niektórych miejscach wydaje się konserwatywny, a w innych głęboko regresywny. To nic innego jak rozczarowanie, gdy wielki reżyser popełnia pierwszy wielki błąd, gdy w końcu wychodzi ze swojej strefy komfortu.
Nadprzyrodzone w mieście
Wright stwierdził, że dla niego i Wilsona-Cairnsa film jest o wiele bardziej autobiograficzny niż na pierwszy rzut oka. Podobnie jak nasz bohater Eloise (Thomasin McKenzie), w młodości przeniósł się z zachodniej Anglii do Soho, a jego świadomość popkultury niemal w całości odzwierciedlały nagrania z lat 60., których słuchali jego rodzice, gdy dorastał. Spotykamy ją, gdy przeprowadza się do Londynu po przyjęciu na studia w London College of Fashion i od razu zostaje wyrzucona przez nowych koleżanek z klasy, w szczególności aspirującą modelkę Jocastę (Synnøve Karlsen). Wyprowadzając się niemal natychmiast po wprowadzeniu się, wysiedla się do uroczego mieszkania w innym miejscu w Soho, którego właścicielem jest gospodyni, pani Collins (Diana Rigg, w jej ostatniej roli na ekranie — film również jest jej dedykowany). Zadowolona z przebywania we własnej przestrzeni, rzuca na stare płyty winylowe, które zabrała ze sobą, i natychmiast zostaje przetransportowana z powrotem do Londynu w latach 60-tych.
Wizualizacja podróży w czasie jest w rzeczywistości prosta, brama do fantastycznego świata snów wyłaniająca się, gdy Eloise chowa się pod kołdrą — na szczęście nie ma wehikułu czasu ani gęstej wiedzy, aby to wyjaśnić. Przybywając w latach 60., wciela się w początkującą piosenkarkę Sandie (Anya Taylor-Joy), która od razu przykuwa uwagę menedżera i promotora Jacka (Matt Smith). Ich romans początkowo zachwyca Eloise, która unika świata zewnętrznego, aby noc po nocy wracać do tego sennego krajobrazu, zmieniając nawet swój wygląd, by wyglądać bardziej jak gwiazda niedoszła w centrum tych wizji. Ale nagle te zamieniają się w koszmar, ona jest świadkiem rozlewu krwi, a duchy epoki zaczynają się manifestować w każdym przebudzeniu teraźniejszości.
Aspekty autobiografii nie wyskakują z ekranu, ale Wright podkreślił pokrewieństwo między Eloise i jego matką, która była znana z tego, że doświadczała nadprzyrodzonych obecności, gdy dorastał. Jest to szczegół, który wielu widzów może woleć poznać wchodząc, ponieważ powtarzające się odniesienia do szóstego zmysłu bohaterki i wizji jej zmarłej matki nigdy nie znajdują właściwego oparcia w narracji. Nawet po wprowadzeniu w początkowych momentach pozostaje MacGuffinem w poszukiwaniu punktu fabuły. Jednak to duże pominięcie, jeśli chodzi o zdefiniowanie kluczowego aspektu jej postaci, prawdopodobnie sprawi, że wielu założy, że jest to kiepskie przedstawienie stanu zdrowia psychicznego (co prawda charakterystyczna Eloise ma coś wspólnego z kilkoma bardziej kultowymi królowymi krzyku). , jest zdecydowanie najmniejszym problemem filmu.
Przed premierą filmu na Festiwalu Filmowym w Wenecji reżyser napisał list otwarty do krytyków, prosząc ich, aby nie psuli niczego po tym, jak Eloise wyrusza w swoją pierwszą podróż w czasie – coś, co już zrobiły zwiastuny, w obszerny sposób. Ale z niektórymi tajemnicami nadal nietkniętymi będę tak niejasny, jak to możliwe, gdy będę omawiał te kwestie. Spoiler fobii może spokojnie czytać dalej.
Zagubiony w Londynie
Soho to dzielnica, która, jak opisywał Wright w wywiadach, była w latach 60. zarówno sercem przemysłu rozrywkowego, jak i przestępczego półświatka. Jeśli widziałeś jakiś film o mrocznym sercu showbiznesu, wiesz już, że ścieżka kariery Sandie nie prowadzi jej na scenę, ale uproszczony sposób, w jaki przedstawia ten łuk, okazuje się zaskakująco regresywny. Bardzo potrzebny komentarz na temat seksizmu i napaści tkwiących w branży bardzo szybko przeradza się w bardziej konserwatywną krytykę usług seksualnych, przerabiając odwieczne poglądy, że wszyscy w branży są ofiarami, a wszyscy, którzy płacą za seks, są z natury źli. . Sposób, w jaki Sandie jest zmuszana do prostytucji, jest naprawdę przerażający, ale Wright i Wilson-Cairns sugerują, że jest to uniwersalne doświadczenie dla wszystkich prostytutek – szkodliwe uproszczenie, nie wspominając o tanim sposobie zajęcia się bardzo poważnym tematem, takim jak napaść. dla współczesnego oka.
Komplikuje to jeszcze bardziej scena z udziałem postaci Johna (Michael Ajao), uroczego, ale rozpraszającego, jednowymiarowego zainteresowania miłością Eloise. Pierwszej nocy, kiedy widzi brutalne, mordercze wizje, ma miejsce, gdy para uprawia seks; on odsuwa się, ale ona wciąż krzyczy, a jego postać jest skutecznie postrzegana jako facet niesłusznie oskarżony o napaść na tle seksualnym przez osoby po drugiej stronie drzwi. Już głęboko błędny (fakt, że ta nieuzasadniona kara narracyjna dotyczy jedynej kolorowej postaci w filmie, nie powinien pozostać niezauważony), rozpakowywanie konsekwencji tej sceny okazuje się zbyt skomplikowane dla Wrighta i Wilson-Cairns. Już następnego dnia John zachowuje się tak, jakby nic się nie stało i nigdy więcej o tym nie wspomina. Tak duża część „Ostatniej nocy w Soho” pozostawia kwaśny posmak, ale nic nie jest tak mylące jak ta sekwencja wydarzeń w połowie drogi, która stanowi strasznie źle oceniony kontrapunkt dla ich komentarzy na temat przemocy seksualnej w innych miejscach.
Scenariusze Wrighta są zazwyczaj pomysłowe, ponieważ zapowiadają dziwaczne wydarzenia. Mimo że jest w trakcie tworzenia, jego najnowszy często może wydawać się leniwy pod tym względem, zwłaszcza gdy zestawia przeszłość z teraźniejszością. Nie wchodząc zbyt daleko w szczegóły, widzowie są przekonani, że pewna postać w scenach lat 60. ma równie groźny odpowiednik we współczesnym świecie. Nie mogę oprzeć się wrażeniu, że to błędne kierownictwo byłoby trudniej przejrzeć, gdyby Wright nie obsadził rozpraszającej sławy wykonawcy w bardzo krótkiej i pozornie nieistotnej scenie w sekwencjach z epoki.
Pod koniec pojawia się rozczarowujące zrozumienie, że film był najsilniejszy w godzinie otwarcia, kiedy najbardziej polegał na znanych tikach Wrighta; zaraźliwa popowa ścieżka dźwiękowa, kreatywne gagi i niezawodnie dowcipne dialogi wypełnione kalamburami i grami słownymi. Jeśli do tej pory o tym nie wspomniałem, to dlatego, że od dłuższego czasu nie widziałem tak spektakularnego upadku filmu z klifu w drugiej połowie.
Dla mnie nie będzie w tym roku filmu bardziej rozczarowującego niż „Ostatnia noc w Soho”. Dla Wrighta może to być bardziej osobiste niż na pierwszy rzut oka, ale trudno ocenić coś innego niż niezdarną próbę połączenia jego wrodzonej wrażliwości gatunkowej z niepokojącą tematyką – emocje pierwszego służą tylko do nadmiernej sensacji tego drugiego.